Fundamentación
Aprender Lenguajes Artísticos en la modalidad Comunicación, Arte y Diseño del Polimodal implica entrar en contacto con la complejidad del proceso de producción e interpretación propio del arte en un nivel inicial que eventualmente abrirá camino a una formación posterior más específica. Los alumnos se acercarán a la problemática de comprender cómo ciertos elementos se articulan en base a procedimientos compositivos que pone en juego el productor (artista) y se transforman en un producto (obra) que posee un plus, un valor agregado dado por la intervención del productor y que comienza a circular socialmente y a ser interpretado por un público que lo revaloriza en función de códigos culturalmente compartidos.

Como dimensión de la cultura, el arte está inscripto en contextos singulares. Así, los materiales y procedimientos con los que cuenta el artista están vinculados al contexto; la obra, producto de la transformación de dichos materiales, resulta una metáfora del contexto en el cual emerge y el público de dicha obra la interpreta y resignifica en el marco de su propio contexto, que puede ser o no el mismo en el que la obra se realizó.

El concepto de arte, analizado desde una mirada situada, no constituye un universal abstracto sino un concepto definido en cada época que se configuró socialmente en relación con los acontecimientos políticos, económicos y culturales y revistiendo funciones y status sociales particulares. En la cultura occidental, desde la tradición griega se ha transitado por diversas concepciones acerca del arte y la producción artística. El pensamiento moderno consolidó al arte como dimensión autónoma respecto de la ciencia y de la moral, vinculada al conocimiento sensible de la belleza, y que con el romanticismo acentuó los aspectos irracionales y subjetivos. Ese modelo conlleva valoraciones institucionalizadas en un período histórico determinado que instalaron una concepción según la cual el arte es un quehacer reservado a cierto tipo de personas (los artistas) dotadas de cualidades únicas (sensibilidad superior, talento innato) que expresan en la obra de arte (única e irrepetible) lo que su subjetividad les dicta y a quienes la sociedad nunca termina de aceptar.

Estas narrativas fueron puestas en crisis -y conceptualmente desplazadas- en el transcurso del siglo XX. La antropología primero y luego la sociología cuestionaron la idea de cultura. El ideal de belleza asociado al arte y a lo estético es roto por la irrupción de las vanguardias artísticas mientras que las nuevas relaciones políticas, económicas y sociales conducen a que el sistema de las Bellas Artes cambie por nuevos roles del artista, la obra de arte y el público.

Sin embargo, el imaginario colectivo mantiene muchas de estas antiguas definiciones, las cuales han perfilado la tradición de la educación artística en Argentina. De ahí derivaron dos supuestos de fuerte impacto en los criterios de la enseñanza: a) El arte nace del talento de un genio creador por lo tanto sólo es posible transmitir los aspectos teóricos y técnicos, los que dependen de la razón. El resto, el surgimiento de la obra maestra, depende de la presencia de cualidades innatas. Las estrategias didácticas destinadas a la formación de artistas profesionales han estado muy apoyadas en tal idea. b) El arte es expresión por lo tanto la función de la educación es hacer surgir la expresividad. Ésta se pone por delante de la técnica y la conceptualización y es el vehículo que revela, aquí también, de los talentos innatos. Y aunque la obra maestra no se produzca, a través del arte se accederá a una tarea placentera. Muchas propuestas posteriores a los años '60 se han orientado a esta tendencia expresivista siendo de algún modo responsables de ciertas asociaciones de la clase de arte con "hora libre".

Relativizar este modelo cobra capital importancia para someter a crítica los estereotipos del genio talentoso y entender que el arte ofrece una forma de acceso al conocimiento. También pone en primer plano el contexto histórico, social y cultural contribuyendo al desarrollo de estrategias didácticas ancladas en la realidad regional.

Este marco epistemológico concibe al arte -con sus materiales, procedimientos y códigos en el marco de una cultura- como un conjunto específico de saberes que puede ser enseñado, aprendido, evaluado y capaz de ser fuente de conocimientos nuevos. La experiencia del arte hace posible una comprensión más compleja de la realidad al favorecer las competencias para la interpretación.

Las diversas disciplinas artísticas (Danza, Artes Visuales, Música y Teatro para el caso del diseño curricular de Polimodal) comparten como lenguaje esta articulación entre materiales, procedimientos, códigos, la presencia de un productor que los transforma en obra y de un público que interpreta. Si bien cada disciplina involucra técnicas, procedimientos y niveles de abstracción de grado distinto, la alfabetización en los lenguajes artísticos trasciende el aprendizaje de una disciplina en especial (por ejemplo, dentro de la plástica, el grabado o la pintura). En este nivel de formación la disciplina constituye una vía para que los alumnos aprendan a elaborar e interpretar modos de decir con las herramientas del arte. Las actividades estarán fundamentadas por el aprendizaje de los elementos y estructuras de los lenguajes artísticos (por ejemplo, el ritmo, la forma o el espacio) y de cómo esas estructuras y elementos se vinculan con un contexto y adquieren sentido en la producción de la obra y en el acto comunicacional con el espectador.

En este marco la Educación Artística compromete y estimula una serie de competencias que no son tratadas por otros saberes disciplinares. Considerar la realidad circundante contemplando contextos culturales e históricos y logrando una interpretación simbólica de la misma ayuda a la participación social activa, plena y autónoma. El aprendizaje de los lenguajes artísticos en sus dimensiones sintáctica, semántica y pragmática contribuye a desarrollar la capacidad de abstracción, la formación de un pensamiento crítico y divergente, la apropiación de significados y valores culturales y la elaboración y comprensión de mensajes significativos. En este sentido el tratamiento de cuestiones tales como la espacialidad, la temporalidad, el esquema corporal, el desarrollo de la memoria, la coordinación psicomotriz, la percepción, los marcos conceptuales acerca de las nociones de simetría, asimetría, ritmo, repetición, céntrico, excéntrico, tensión, distensión, entre otras, se constituyen en cuestiones esenciales de la educación en los lenguajes artísticos, donde la relación entre obra, sujeto y contexto se encuentra privilegiada.

Estos desarrollos pueden adquirir personal significatividad para el adolescente que transita el Nivel Polimodal por cuanto facilitan la búsqueda de respuestas en una instancia evolutiva caracterizada por la presencia de diversas tensiones e interrogantes con relación a la identidad personal e inclusión en el mundo.

En esta línea se entiende que los contenidos y didácticas de los lenguajes artísticos adquieren un valor específico y constituyen un punto de partida necesario para propiciar una base cultural común en el ámbito del arte, del diseño y la comunicación que permita a los alumnos del Nivel Polimodal una participación conciente, crítica y transformadora de la sociedad.

Objetivos
" Comprender y operar con los principios sintácticos y de construcción elementales del lenguaje artístico desempeñando diferentes roles interpretativos con grados de complejidad creciente y siendo capaces de significar esa sintaxis en marcos históricos culturalmente situados.
" Interpretar y analizar con criterios autónomos los propios trabajos y confrontarlos con otros en el marco de la realidad contemporánea.
" Realizar producciones artísticas tomando como punto de partida aspectos culturalmente cercanos y utilizando los recursos compositivos y de análisis trabajados.

Contenidos de la enseñanza
El espacio curricular Lenguajes Artísticos organiza sus contenidos en cuatro bloques: Los Lenguajes, Los Procedimientos de Producción, Los procedimientos vinculados con la Recepción, Los vínculos con el contexto sociocultural. Estos bloques están presentes en las cuatro disciplinas (Música, Plástica-Visual, Danza y Teatro) a efectos de dar unidad de criterios y garantizar que más allá de las peculiaridades de cada una, los alumnos aprendan a operar con el lenguaje.

Los elementos del lenguaje se entienden a partir de la posibilidad de hacer algo con ellos. El "saber hacer" se enriquece en la medida en que se desarrolla la capacidad interpretativa y en una retroalimentación dinámica puede decirse que la recepción se incrementa cuanto más se produce. Asimismo todo hecho artístico adquiere sentidos propios en su relación con un contexto y cultura.

Desde esta perspectiva se puede concluir que ninguno de estos bloques es autosuficiente ni puede trabajarse de manera aislada. La organización en bloques no supone prescripción de orden ni la proyección de propuestas didácticas diferenciadas para cada tipo de contenido sino que se debe contemplar una perspectiva en la que cada uno sea atravesado por todos los bloques interrelacionados.

En concordancia con la idea de vinculación y confluencia de los ejes, los contenidos no se formulan por separado para 1° y 2° año sino que se presentan los mismos para ambos. La diferencia estará dada por el grado de complejidad de los procedimientos y las relaciones que se establezcan entre éstos y los conceptos en términos de niveles de aproximación y profundización. La gradualidad entonces no pasa por sistematizar conceptos según una lógica focalizada en la dificultad sino por la búsqueda de desempeños con mayor exigencia en la organización y ejecución, tanto en lo atinente a la producción como a la recepción. En el primer año de experimentación en la disciplina el alumno entrará en contacto con los elementos gramaticales propios del lenguaje y podrá producir e interpretar a partir de los mismos y en el 2° año la profundización en la apropiación de esos elementos le permitirá alcanzar mayores ajustes entre el propósito y el resultado.

MÚSICA

El lenguaje musical
Este bloque se refiere a la estructura del lenguaje musical como organizador del discurso en relación a aspectos sintácticos, considerando las aproximaciones conceptuales y procedimentales con énfasis en las características expresivas y en la intención comunicativa del discurso estético musical.

Los materiales del Lenguaje Musical:
Sonido: El sonido como objeto y material sonoro. Concepciones en la contemporaneidad. Atributos del sonido: altura, duración - sostén, intensidad y timbre. Interrelaciones entre los atributos. Las modificaciones en el concepto de timbre. El timbre armónico e instrumental. Los recursos tecnológicos para la modificación del sonido. La producción representacional (graficación analógica y simbólica tradicional: semejanzas y diferencias, usos y limitaciones).
Fuentes Sonoras: Concepto. Criterios de clasificación. Modificadores del sonido: modos de acción y mediadores. La voz como fuente sonora. Criterios de clasificación. Modos de emisión. Usos y rol del sonido en diferentes épocas y estilos.
La organización del Lenguaje Musical:
Forma. Criterios formales: permanencia, cambio y recurrencia. Las unidades de formalización: configuraciones a partir de los criterios formales en canciones y obras instrumentales. Relaciones entre la macroforma y la microforma. La forma musical y el contexto: modelos de construcción formal en repertorio académico y popular.
Textura. Configuraciones texturales. Superposiciones sonoras. Relaciones de interdependencia: principal - secundario; subordinación - complementación. La línea principal como construcción melódica. Tipos de acompañamientos: ostinato, bordón, pedal.
Ritmo: Concepto. Tipos de ritmo: liso/ estriado; libre/ métrico. Estructuras métricas: unidades de medida y sus niveles jerárquicos; relaciones. Velocidad, tempo. Regularidad e irregularidad, continuidad y discontinuidad en el desarrollo temporal.
Melodía. Concepto. Ámbito/ rango, registro. Movimiento sonoro y diseño melódico. La melodía y los planos sonoros. Melodía principal, secundaria, características y funciones (roles) de cada una. Melodía y acompañamientos. Frase: antecedente - consecuente; relación con los procesos de tensión y distensión.

Los procedimientos de producción
Este bloque abarca los procesos de resolución para la ejecución interpretativa de las producciones y composición de discursos musicales considerando herramientas, técnicas y procedimientos característicos de productos socializados como de aquellos que resultan de la experimentación y de la innovación.

La Ejecución:
Aproximación a los recursos técnicos instrumentales básicos de las fuentes sonoras. Exploración, experimentación, selección y organización en función de las intencionalidades expresivas.
Análisis de los materiales y organización relevante de la obra para la interpretación en la ejecución.
La improvisación musical.
La voz y sus recursos expresivos. Análisis comparativo de los usos y rol de la voz y ejecución interpretativa en obras de diferente estilo.
Ejecución vocal e instrumental de obras y/o arreglos propios y de otros con ajustes a las características estilísticas.
La ejecución concertada. Los referentes de concertación: rítmicos, melódicos, armónicos, formales, texturales, sonoros, gráficos, cronométricos, gestuales, etc. Los roles de ejecución en función del tipo de agrupación. La improvisación en la concertación.
La ejecución interpretativa de obras con relación a otros lenguajes y códigos comunicacionales. La comunicabilidad e inteligibilidad de la obra. La información aportada por cada lenguaje y su comunicación en la ejecución.
La Composición:
Los materiales compositivos, la organización y estructuración del material:
El sonido y sus atributos en función de la creación de climas expresivos. El sonido como elemento relevante en la construcción.
La organización del discurso en función de procesos de tensión y de distensión, criterios formales, texturales, etc.
La noción de obra como proyecto global con relación a sus microestructuras y sus macroestructuras. La realización del "plan de composición": la intencionalidad compositiva.
Las estrategias de composición:
Las decisiones en torno al material y la realización del plan compositivo: Exploración, repetición, y desarrollo de materiales musicales.
La construcción de ideas: contraste, variación, desarrollo.
La improvisación vocal e instrumental para la generación de ideas.
La elaboración de arreglos vocales e instrumentales.
La comunicación de las intencionalidades compositivas: La producción representacional (recursos de escritura).
Proyectos de integración de lenguajes y códigos: Musicalización, efectos sonoros. La experimentación, selección, planificación, elaboración y realización del proyecto. La producción de una obra integrada en el aspecto narrativo.
Los procedimientos vinculados a la recepción - interpretación
En este bloque se atiende a la formación de procedimientos de análisis y de interpretación de los discursos musicales dirigidos hacia la reflexión crítica de las producciones musicales a partir de los marcos semiológicos y estéticos de la música que posibiliten su comprensión y su valoración.

La música y la comunicación:
Los componentes del circuito de comunicación en la música: el emisor, el receptor, el mensaje. El compositor, el ejecutante, el auditor u oyente y la obra. El rol de intérprete.
Los espacios de difusión: radio, televisión, videos, recitales, conciertos, etc.
El análisis interpretativo:
La decodificación por audición y texto musical.
Los procedimientos de análisis musical y su aplicación: análisis global, la identificación de los elementos y relaciones estructurales, la síntesis de la obra en la comprensión de las características relevantes, vínculos al contexto sociocultural y estético.
La codificación de discursos musicales, usos de diferentes gráficos de representación.

Los vínculos con el contexto sociocultural
En éste bloque se estudian los discursos musicales con relación a las variables del contexto social, económico, cultural y político de referencia, el cual contribuye de manera significativa para su comprensión.

Las nociones de tiempo, espacio y movimiento como categorías estéticas en los diferentes contextos sociales, culturales e históricos. La música como manifestación artística en un sistema de cultura. El rol y función de la música en diferentes contextos. El rol del músico como productor, la noción de obra, las audiencias.
El mercado y los medios de difusión en la resignificación de las categorías estéticas. La socialización de las manifestaciones y los nuevos códigos.
Las nuevas tecnologías y la integración de las manifestaciones artísticas en dirección a la síntesis de las categorías estéticas.
Los nuevos roles: el musicalizador, el sonidista, el realizador y diseñador de efectos sonoros especiales; el disc-jockey, el ingeniero de sonido. La conformación de equipos de trabajo para los proyectos de producción y gestión en comunicación, artes y diseño. Las rupturas con las formas más socializadas de composición y representación de la obra. Los aportes de la música experimental.

PLÁSTICA-VISUAL

Lenguaje plástico - visual
Este bloque abarca aspectos conceptuales y procedimentales relacionados al lenguaje plástico - visual en torno al orden sintáctico, sin descuidar las características expresivas y la intención comunicativa del discurso estético.

Elementos constitutivos del lenguaje plástico - visual:
El punto y la línea y el plano en la estructura interna de la imagen: diferentes tipos y distribuciones. Cualidades expresivas.
La forma en la estructura interna de la imagen: tipos. Tamaño, posición, actitud. Cualidades expresivas.
El volumen: espacios internos y externos; cóncavo - convexo; negativo - positivo. Estructuras volumétricas: ejes, tensiones, direcciones, equilibrios. Cualidades expresivas.
Cromatismo: el color en las formas naturales y artificiales del entorno. Física del color. El color en la imagen plástico - visual. Relatividad y comportamiento fluctuante en la interacción de la imagen.
Diversidad cromática: climas y contrastes. Organización por analogías y contrastes de valor, saturación y temperatura.
Variaciones del color: discriminación. Mezclas aditivas y sustractivas. Sistematización. Círculo cromático, grupos armónicos. Desaturaciones: tinte, matiz y tono. Quebramientos y neutralización.
Espacialidad del color: colores que se alejan y colores que se acercan.
Acromatismo: climas y contrastes. Valor. Las claves tonales acromáticas: su sentido expresivo. Relación con las claves tonales cromáticas.
La textura: táctiles y visuales, naturales y artificiales. Densidad, tamaño y direccionalidad. La textura como elemento de caracterización y refuerzo de sentido en la imagen.
Espacio compositivo bidimensional y tridimensional:
Espacio compositivo: organización del campo plástico.
Campo plástico: límites y formatos.
El espacio y su valor como elemento de la composición: espacio vacío, espacio lleno.
Interrelaciones de tamaño y posición de las formas en el espacio compositivo. Contactos formales como estructuradores de la imagen.
Organizaciones compositivas por proximidad, semejanza o igualdad, formal y tonal.
Relaciones de figura - fondo.
Equilibrio compositivo: ejes, compensación de fuerzas visuales.
Equilibrio axial, radial y oculto. Equilibrio formal y tonal en organizaciones visuales.
Simetría y asimetría en la estructura compositiva de la imagen.
Ritmo regular, secuencia, progresión, alternancia. El ritmo en la composición: ritmos dinámicos, expansión, crecimiento, etc. Monotonía, cambio, movimiento, direccionalidad y progresión en la imagen.
Movimiento real y virtual. Transformaciones de la imagen por el desplazamiento o la manipulación del observador. Cinética.
El espacio real y el espacio representado. El espacio real en el plano: indicadores espaciales. Posición en el plano de la imagen, aumento y disminución de tamaños y detalles, superposición, transparencia, diagonalidad. Sistemas de representación de la tridimensión en la bidimensión. Perspectiva.
La temporalidad en la imagen. Secuenciación: encuadres, planos, etc.

Los procedimientos de producción
Este bloque considera los procesos de producción de la imagen plástica-visual considerando la selección y organización de los elementos del lenguaje plástico-visual para la composición de discursos considerando herramientas, técnicas y procedimientos relacionados con las producciones tradicionales y las que resultan de la experimentación y de la innovación.

Herramientas:
Exploración y experimentación de distintos materiales, soportes, recursos técnicos y tecnológicos propios de las disciplinas artísticas (dibujo, grabado, escultura, pintura, cerámica, etc.) y de otras manifestaciones artísticas y estéticas (fotografía, gráfica, publicidad, diseño, cine, video, etc).
Reconocimiento de las diversas posibilidades de materiales, herramientas y soportes de acuerdo a la intencionalidad comunicativa de la imagen.
Combinación de los materiales y procedimientos en producciones plástico - visuales.
Realización de experiencias con materiales, técnicas, soportes y herramientas convencionales y no convencionales.
Reconocimiento y diferenciación de distintas técnicas y tecnologías, procesos y resultados obtenidos en las producciones plástico - visuales propias y de sus pares.
Procedimientos:
Discriminación perceptual de elementos constitutivos del lenguaje plástico - visual en el entorno y en producciones artístico - comunicacionales.
Composición de imágenes con distintas intenciones expresivo - comunicativas, alternando los elementos del lenguaje identificados, en el espacio compositivo bidimensional y tridimensional, en la imagen real o virtual, fija o móvil.
Producción de imágenes de diversos tipos experimentando en la combinación de distintos recursos compositivos, materiales, soportes, técnicas, convencionales y no convencionales.
Selección de recursos compositivos, técnicos y tecnológicos para producir imágenes fijas y en movimiento, en el plano y en el espacio en relación con lo percibido e imaginado, atendiendo a las fases del proceso de realización, las funciones de la imagen, las audiencias, el proceso de recepción, los significados, las mediaciones y resignificaciones de la imagen.
Realización de prácticas reflexivas en la instancia de producción, atendiendo al valor simbólico del lenguaje plástico - visual, al contenido y la intencionalidad de la imagen.
Realización de proyectos de producción individuales y colectivos. Selección y organización de recursos técnicos combinados para el desarrollo de los proyectos.
Elaboración de formas plásticas bidimensionales o tridimensionales desarrollando imágenes fijas y en movimiento: dibujo, pintura, grabado, historieta, ilustración, afiche, gráfica, relieve, escultura, instalaciones, fotografía, cine, video, animación, infografía, publicidad, etc.

Los procedimientos vinculados con la recepción - interpretación
Este bloque abarca la formación de procedimientos de análisis y de interpretación de los discursos visuales dirigidos hacia la reflexión crítica de estas producciones a partir de los marcos semiológicos y estéticos que posibiliten su comprensión y su valoración.

Nivel semántico del lenguaje plástico - visual. Relación entre el signo y su significante. Legibilidad y comunicabilidad de la obra plástica. Categoría simbólica de la obra plástica.
Análisis estructural de producciones plástico - visuales atendiendo a la relación entre materiales empleados, elementos del lenguaje y organización compositiva.
Expresividad e interpretación. El rol de la audiencia en el discurso plástico - visual.
Captación del sentido expresivo de las imágenes de acuerdo a las variantes provocadas en aspectos formales y tonales de las producciones propias y de sus pares.
Reconocimiento y análisis de las distintas imágenes visuales propias y de sus pares en relación con los mensajes que transmiten y con los destinatarios a los que se dirige.
Reconocimiento de las fases de los procesos de producción. Análisis crítico de producciones propias y de otros.
Los componentes del circuito comunicacional en las Artes Visuales: el productor, el espectador, y la obra.
Valorización de la percepción como retroalimentación de la producción y como forma de conocimiento del entorno y de la producción artístico - comunicacional.

Los vínculos con el contexto socio - cultural
Este bloque relaciona los discursos visuales con las dimensiones del contexto social, económico, cultural y político de referencia, el cual contribuye de manera significativa para su comprensión.

La información visual del entorno. Exploración y discriminación de los elementos componentes de las imágenes plástico - visuales. Códigos perceptivos, cognitivos y representativos.
La producción de imágenes a través del tiempo. Reconocimiento de las intencionalidades expresivas y comunicativas.
Las artes visuales: influencias y cambios ante los avances técnicos y tecnológicos.
La imagen en la contemporaneidad. Diversidad y globalidad. Aportes de la ciencia y la tecnología. Las producciones multimediales y la transdisciplina.
La imagen y medios masivos de comunicación. El alcance masivo de las producciones artísticas y estéticas.
Identidad cultural. Valoración de las manifestaciones artísticas y artesanales de diferente contextos.
El patrimonio cultural regional, nacional y del continente americano.
Ámbitos de contacto con el arte. Las experiencias artísticas relacionadas con los medios de producción tradicionales y nuevas alternativas tecnológicas. Mercado y consumo de arte.

DANZA

El lenguaje corporal
Este eje aborda los elementos que conforman el código específico del lenguaje corporal. Contempla aspectos conceptuales y procedimentales propios del movimiento vinculados fundamentalmente al orden sintáctico, aunque sin descartar las características expresivas y la intención comunicativa del discurso estético.

Conciencia corporal:
Imagen y esquema corporal. Registro del peso y volumen corporal. Revisión de hábitos posturales y motores. Utilización de diferentes formas de locomoción. Exploración de habilidades y destrezas.
Calidades del movimiento:
Los elementos constitutivos del movimiento: tiempo, espacio, energía y los pares opuestos: rápido - lento, directo - indirecto, fuerte - suave. Combinaciones y matices. Experimentación del flujo del movimiento.
El cuerpo en el espacio:
Percepción del espacio en quietud y movimiento. Exploración del espacio personal, parcial, total, social, físico, escénico. Niveles, nociones y elementos espaciales.
El movimiento en el tiempo:
Los parámetros temporales: velocidad, duración, simultaneidad, alternancia.
El movimiento vinculado a la música. Corporización de aspectos del ritmo, de la forma, del carácter.
La comunicación desde el movimiento:
Interpersonal y grupal. Los códigos de la comunicación: imitación, conducción, inducción, complementación, oposición. El discurso coreográfico. La comunicación desde distintos roles: intérprete, coreógrafo, espectador.

Los procedimientos de producción
Abarca los procesos de producción en la danza atendiendo a la exploración, selección y organización de los elementos del lenguaje corporal para la composición de discursos, considerando diferentes herramientas, técnicas y procedimientos.

Herramientas:
El cuerpo y sus respuestas de movimiento, los objetos, la música de diferentes estilos y épocas, las imágenes sensoriales, los textos, las narraciones, las imágenes visuales, los elementos vinculados a la producción coreográfica (luces, objetos escenográficos, vestuario, etc), las producciones del entorno vinculadas al lenguaje del movimiento.
Procedimientos:
Exploración y análisis de las sensaciones y percepciones del cuerpo.
Exploración de las posibilidades de movimiento del propio cuerpo y el cuerpo de los otros. Investigación de diferentes capacidades motoras.
Producción e imágenes desde el cuerpo.
Improvisación a partir de los elementos del tiempo, el espacio y la energía. Improvisación a partir de diferentes estímulos: música, imágenes, textos, objetos, etc.
Exploración de diferentes formas de interactuar en el diálogo corporal.
Desarrollo de diferentes roles en la producción: intérprete, director, coreógrafo.
Selección y organización del material trabajado para la elaboración y ejecución de productos coreográficos. Selección de recursos tecnológicos acordes a los procesos de producción coreográfica.

Los procesos vinculados a la recepción - interpretación
Contempla la formación de procedimientos de análisis de los discursos propios de la danza dirigidos a la interpretación crítica de estas producciones a partir de marcos semiológicos y estéticos que posibiliten su comprensión y su valoración.

Percepción libre y pautada. La autopercepción. La percepción analítica del lenguaje corporal a través de procedimientos de observación, comparación, análisis, selección y síntesis.
Registro e identificación de los elementos del lenguaje corporal. Organización del discurso: comprensión de las relaciones de los elementos del lenguaje en función de la interpretación de la composición coreográfica. La recepción - interpretación desde el desempeño de los distintos roles que se juegan en la producción. La decodificación de productos del campo de la danza. Iniciación en la valoración estética y el juicio crítico.

Los vínculos con el contexto sociocultural
Este eje propone atender a las variables del contexto natural, social, económico, cultural y político de referencia como condicionantes de los discursos producidos desde el arte en general y la danza en particular. Este aporte resulta significativo para analizar y comprender el lenguaje del cuerpo y sus producciones en un tiempo y lugar determinados.

Identificación de distintas manifestaciones del campo de la danza. Géneros y estilos.
Los siglos XX y XXI y las nuevas tendencias. La danza contemporánea en Argentina y Latinoamérica.
La danza folklórica y la danza rioplatense. Valoración de las expresiones del patrimonio cultural, compromiso con su preservación. La identidad cultural y la homogenización de la cultura. La identidad como búsqueda. La tensión tradición - innovación.
La producción en danza y los medios masivos de comunicación. La innovación tecnológica y los recursos en las producciones.
Reflexión crítica ante los mensajes de los medios masivos de comunicación social.

TEATRO

El contacto con el teatro como lenguaje artístico se enfoca como un trayecto de exploración y profundización consciente del propio cuerpo y del entorno a través de la acción como herramienta fundamental y de diferentes recursos técnicos corporales y vocales tendiendo a la formación de un pensamiento crítico. La evaluación es parte constante del proceso realizada desde las prácticas en un vínculo entre acción y conceptualización, brindando en todos los casos herramientas que favorezcan la adquisición de nuevas formas expresivas y de autoconocimiento. Se sugiere para el primer año trabajar con las herramientas en sí, el cuerpo y la voz, jugando roles pero no personajes, vinculando a estas herramientas con el espacio. En el segundo año se avanzará sobre las cuestiones de composición, la caracterización de personajes, la creación colectiva, organizando creaciones colectivas a partir de personajes y haciendo hincapié en la estructura dramática.

El lenguaje teatral
La estructura del lenguaje teatral como organizador del discurso escénico con relación a aspectos sintácticos considerando las aproximaciones conceptuales y procedimentales con énfasis en las características expresivas y en la intención comunicativa del discurso estético teatral.

Cuerpo real- Cuerpo de ficción:
La construcción de la presencia escénica y el uso extra-cotidiano del cuerpo. El cuerpo como productor de imágenes y sensaciones y como vía de acceso a la expresión personal. El cuerpo como acción dramática en el espacio. El desarrollo de la conducta orgánica escénica. Búsqueda de la simultaneidad entre la sensación, la acción y la palabra.
La intencionalidad expresivo -comunicativa y la relación con el espectador.
El cuerpo y su accionar como un lenguaje qua se articula en signos verbales y no verbales capaces de intercambiar y relacionarse con otros en un tiempo y espacio determinado.
La estructura dramática. El sujeto dramático: Roles. Personaje. Entorno. Acción. Conflicto. Tipos de conflicto:
La progresión dramática. Antecedente, consecuente.

Los procedimientos de producción
Atiende a los procesos de producción teatral considerando la selección y organización de los elementos del lenguaje dramático para la composición de discursos, a la vez que las herramientas, técnicas y procedimientos relacionados con las producciones tradicionales y las resultan de la experimentación y de la innovación.

Herramientas:
Recursos corporales y vocales. Textos, narraciones, imágenes visuales y sonoras. Los objetos escenoplásticos. Las imágenes sensoriales.
Procedimientos:
Experimentación de juegos de socialización (el vínculo y la confianza individual y grupal) Lo personal y lo grupal. Discriminación y estereotipos.
Experimentación de juegos de desinhibición y sensibilización (autoexploración y de encuentro con los otros).
El cuerpo y su energía. Exploración de sus variantes. Tono muscular. Búsqueda de contrastes. La mirada en el espacio. Exploración del gesto. Gestualidad. Exploración de la voz.
El cuerpo con relación al espacio: Juegos de exploración de espacios, la transformación del espacio real, uso extracotidiano del espacio (ruptura del espacio convencional).
Técnicas de improvisación y composición de la situación dramática
La composición de la imagen dramática, incorporación de elementos plásticos visuales y su desarrollo dramático.
El proyecto teatral:
El montaje de una obra de autor o creación colectiva. Organización y gestión. Planificación y ejecución. Evaluación y perfeccionamiento

Los procedimientos vinculados a la recepción- interpretación
Se centra en la formación de procedimientos de análisis y de interpretación de los discursos teatrales dirigidos hacia la reflexión crítica de estas producciones a partir de los marcos semiológicos y estéticos que posibiliten su comprensión y su valoración.

Percepción sensible. Percepción analítica: Discriminación de los elementos componentes del sonido, imágenes visuales, del movimiento corporal y la acción dramática. La percepción como seleccionadora. Autopercepción (sensibilización del propio cuerpo).
Análisis de la producción teatral atendiendo criterios organizativos del campo perceptual: figura - fondo, espacio - tiempo; semejanza - diferencia; analogía y presencia de contrastes.
Análisis del sistema de signos empleados: el signo teatral.
Movilidad y transformación del signo teatral. Análisis del discurso teatral en relación con el espectador.
El espectador como destinatario y partícipe del producto.

Los vínculos con el contexto sociocultural
Los discursos teatrales en relación con las variables del contexto social, económico, cultural y político de referencia, el cual contribuye de manera significativa para su comprensión.

El teatro en nuestra cultura. La significación del teatro como sistema cultural y productor de conocimiento.
La representación del cuerpo como producto cultural.
El teatro como creador de signos expresivo - comunicativos de la realidad cultural.
Referencias a la producción actual y breve síntesis de la evolución histórica del hecho teatral. El patrimonio cultural. Características de la producción teatral de fin de siglo. Continuidad y diversidades. Vanguardias y nuevas tendencias teatrales.
El teatro y la cultura de la adolescencia: el desarrollo de la identidad.

Consideraciones didácticas

Como se dijo anteriormente, los elementos y procedimientos compositivos del lenguaje se entienden a partir de la posibilidad de producir con ellos. La producción enriquece y profundiza la conceptualización, la capacidad de análisis y la interpretación porque en ella están englobados los saberes, la historia, la cultura, la ideología, reuniendo en la praxis las esferas teórica y práctica que las metodologías de enseñanza más tradicionales separaron en ámbitos casi incompatibles.
Para el trabajo en clase con los lenguajes artísticos es fundamental partir de esta concepción que compromete el hacer y el pensar en un sólo núcleo. El hacer en sí mismo, sin la interpretación, se convierte en una repetición mecánica de técnicas. El saber teórico, las tendencias a seleccionar y clasificar materiales, sonidos, texturas, o a reproducir de memoria características de tal o cual período de la historia sin otorgarles un papel y un sentido en la obra no pasa de ser un ejercicio intelectual vacío.
La formación de los alumnos del nivel Polimodal en los aspectos relativos al arte y la cultura posee ciertas características. Una de ellas es que constituye un área curricular que recién en los últimos tiempos ha comenzado a revalorizarse como tal, tratando de trascender una tradición que la ubicaba como "complementaria", "de apoyo" o "secundaria". Otra es la convivencia, no siempre pacífica, no siempre coherente ni explícita, de posicionamientos ideológicos y pedagógicos muy diversos, a veces incompatibles, acerca de qué y cómo enseñar los contenidos vinculados al arte y la cultura. Además hay que considerar el hecho de que los alumnos llegan al Polimodal con las experiencias artísticas y estéticas propias de la inserción del joven en su contexto cultural específico (familia, amigos, barrio, escuela, etc.). La cultura contemporánea, en especial la urbana, propone a los adolescentes modelos culturales muy asociados al arte - como así también al deporte - que pasan a ser parte fundamental de sus vidas, de sus expectativas y de su deseo.
Las orientaciones metodológicas que han predominado en las últimas décadas en los espacios vinculados con el arte reconocen diferentes modelos que no se presentan como un cuerpo coherente de contenidos y estrategias que respondan a una misma lógica, sino que se articulan de manera difusa, y en algunos casos se superponen.
El modelo teórico expositivo privilegia la transmisión de información y, más allá de algunos matices, adopta los postulados pedagógico-didácticos que se estructuran sobre la base expositor/ reproductor, caracterizando de ese modo los roles de docentes y alumnos.
Las prácticas derivadas del conductismo y las teorías mecanicistas otorgan central importancia a aquello que es incorporado a través de un encadenamiento de preguntas y respuestas bajo el control de condiciones externas que el sujeto incorpora como modelo para su conducta. Este enfoque se dirige a garantizar la aplicación de una metodología con fuerte participación del docente, con un afán clasificatorio que perfila una suerte de sujeto perceptualmente virtuoso, neutro, y cuyas respuestas se pueden prever de acuerdo al modelo empleado.
La didáctica operatoria, que en su traducción al campo del arte derivó en el expresivismo, puso el acento en la creatividad y autoexpresión alejándose de una valoración de los productos, de los procesos y de los resultados de los aprendizajes.
En el primer caso el centro estuvo puesto en el contenido, en el segundo en los objetivos a alcanzar, y en tercero, en el alumno. Incluso se estandarizaron algunas prácticas didácticas en relación con varias asignaturas (por ejemplo, historia del arte asociada a un modelo teórico expositivo, lenguaje visual o lenguaje musical asociados a corrientes tecnicistas, y los talleres de arte a la postura expresivista)
Muchas veces las prácticas que se observan en el aulas suelen ser reflejo de modelos que han sido internalizados por los docentes desde su propia experiencia como alumnos y que por lo general no son examinados como resultado de elecciones situadas social, cultural e históricamente. Más allá de los aportes y limitaciones que cada enfoque tiene, se puede advertir un aspecto común. La debilidad de estas propuestas reside en que sus estrategias no abordan la práctica artística concreta como modo de comprender el lenguaje y sus discursos.
Entonces se propiciará una didáctica que desde la producción se dirija a la interpretación contemplando estrategias de enseñanza que constituyan realizaciones artísticas concretas. Teniendo claridad respecto del contenido que se desea enseñar dentro del campo propuesto por el diseño curricular, el proceso didáctico debiera integrar actividades variadas y articuladas coherentemente según criterios que transiten desde lo más global, cercano y concreto a lo más específico y complejo, relacionando los planteos con los saberes previos y las características sociales, culturales, afectivas, corporales de los alumnos. Los trabajos se desarrollarán profundizando su complejidad, contemplando su análisis y confrontación con otros e interrelacionando lo percibido, lo producido y las explicaciones o conclusiones que se pueden elaborar sobre lo hecho.
Al proponer las actividades y seleccionar los recursos, el docente debiera preocuparse por tener una actitud de apertura estética en relación con los intereses de los alumnos y con las producciones culturales y artísticas contemporáneas.
Las propuestas de enseñanza debieran poner al alumno en situación de "resolver un problema" donde la elección de los materiales, soportes, herramientas y procedimientos compositivos tienen que estar en función del sentido expresivo. La producción apoyada en un marco conceptual favorecerá comprender relaciones y sintetizar evitando la fragmentación. Los procedimientos de producción y percepción podrán ser cada vez más complejos y autónomos con relación a los conocimientos previos, capacidades desarrolladas y la incorporación de nuevos conceptos.
La evaluación atenderá a criterios claros y explícitos, específicos respecto del contenido a enseñar, que permitan al alumno tomar conciencia de sus avances y de sus dificultades.

En el caso de música se plantea el problema de la decodificación. Existe una tradición didáctica muy difundida en nuestro país que enfatiza el refuerzo dirigido de los hábitos perceptuales asociando la mayor percepción de eventos sonoros a una mayor eficacia en la escucha musical. A este respecto cabe señalar que la percepción siempre hace un recorte de la realidad. Un recorte, por lo demás, situado culturalmente. La percepción no es neutra sino que está vinculada a la historia y al contexto de los sujetos. Por otra parte el hecho de estimular una percepción cada vez más veloz y precisa no garantiza que se adquirirán mecánicamente las herramientas para la comprensión del lenguaje. Finalmente, en un sentido estricto, la música más que "percibirse" se construye. El devenir de la música en el tiempo liga sucesos que se resignifican en el recuerdo y la anticipación, edificando virtualmente la totalidad de la obra y su sentido. Por lo tanto se recomienda evitar ejercitaciones repetitivas tendientes a discriminar grave-agudo, intervalos o elementos por el estilo descontextualizados de la totalidad de la obra y de las relaciones entre las distintas estructuras que van configurando el discurso musical. En cuanto al registro escrito del lenguaje, no debiera ser un objetivo en sí mismo sino una de las tantas herramientas posibles de utilizarse. Las alternativas metodológicas para la decodificación y análisis deberán incluir actividades que contemplen partir de un análisis y percepción global hacia un análisis más puntual centrando la atención en el/ los contenidos que se estén trabajando acompañado por marcos teóricos conceptuales y de los contextos socioculturales en que se produjo la obra, para luego volver a un análisis y percepción global que resulte en una mejor comprensión y valoración en su función comunicativa.
Otro eje metodológico está constituido por la producción a través de la resolución de trabajos que contemplen el desarrollo de procedimientos vinculados a la elaboración de discursos musicales, la puesta en práctica de la ejecución y la improvisación, como así también la conceptualización, descripción y valoración de lo realizado. Aquí se abarca la exploración, selección, ejecución, composición, improvisación, concertación, representación, etc., incluyendo el hacer, el operar con los elementos del lenguaje en la acción - ejecución - y más allá de ella.
Reflexión involucra el análisis para la formulación de un juicio crítico, identificación de problemas, búsqueda de posibles soluciones, valoración estética desde los actos de producción y recepción.
En Plástica-Visual se recomienda tener presente que el lenguaje visual trasciende a las disciplinas. Es posible trabajar todos los elementos del lenguaje visual tanto con la pintura como con la historieta. Lo fundamental es que los alumnos construyan e interpreten discursos visuales y no que incorporen mecánicamente procedimientos técnicos de cada una de las disciplinas visuales (pintura, dibujo, escultura, grabado), para lo cual ni siquiera habría tiempo concreto. Por otro lado es necesario considerar que las fronteras entre estas disciplinas tradicionales de las artes visuales han quedado bastante desdibujadas a partir de los desarrollos estéticos y tecnológicos del arte en los últimos años.
En el caso de Danza, este lenguaje se hace presente de modos muy diferentes: una ronda infantil con movimientos y gestos transmitidos de generación en generación, adolescentes bailando los pasos de moda, una pareja entreverada al compás de un tango o buscándose y encontrándose zamba de por medio, bailarines que desafían las leyes de gravedad a través de saltos increíbles o suspendidos por sogas y arneses, grupos que reflotan antiguas danzas en desuso.
Danzas pertenecientes a épocas y lugares diversos, danzas pensadas como espectáculo, danzas del acervo popular, danzas con una función ritual, danzas de esparcimiento social, manifestaciones medianamente espontáneas o productos de altísimo grado de desarrollo técnico. Sin duda, es imposible conocer y dominar todas las manifestaciones de un espectro tan amplio de posibilidades. Entonces, ¿qué danza enseñar en la escuela y cómo hacerlo?
El abordaje de este objeto de conocimiento en la escuela no intenta circunscribir la enseñanza a uno u otro estilo sino abrir la mirada a diferentes manifestaciones, conocer y reconocer elementos comunes y diferentes y desde este conocimiento brindar la posibilidad al alumno de elaborar danzas propias que comprometan su universo de ideas e intereses.
Todas las formas de danza se manifiestan a través de tres elementos esenciales: tiempo, espacio y energía; la manera en como éstos se organizan junto con la intencionalidad discursiva, circunscriben los rasgos pregnantes de cada estilo. Son estos mismos códigos gramaticales los que se desarrollan desde esta modalidad que propone la búsqueda de expresiones personales desde el lenguaje del movimiento.
Atendiendo a esta concepción, los procedimientos de enseñanza se orientan hacia la concientización sensible de las posibilidades corporales y la exploración de los elementos mencionados. La improvisación debe ser pautada, orientada a lograr una paulatina ampliación de los recursos de movimiento a fin de evitar que los alumnos recurran a estereotipos y clichés. La profundización en este procedimiento hará posible avanzar hacia respuestas cada vez más ricas y genuinas.
El conocimiento de esta disciplina se desarrolla como una espiral, retomando los mismos contenidos con mayor grado de complejidad y análisis para arribar a una nueva síntesis desde lo procedimental y conceptual. Este señalamiento es válido tanto para el diseño de una clase como para la estructuración de proyectos anuales y aún a través de ambos niveles en los que aparece la disciplina en el nivel polimodal. El grado de profundidad en el tratamiento de los mismos depende esencialmente del nivel experiencial de los alumnos.
Para arribar a la construcción de productos coreográficos personales y/o grupales es importante también que se generen instancias en las que los ejercicios de improvisación puedan orientarse hacia experiencias con otro grado de configuración. Esto supone el rescate de los elementos más adecuados de la improvisación y el desarrollo de la capacidad para organizarlos en discursos corporales.
Todos los momentos del proceso productivo, desde los niveles más exploratorios hasta los de mayor grado de concreción, contienen la necesidad de desarrollar actos de recepción, ya sea analizando lo producido por uno mismo o por el grupo de pares o apreciando obras de artistas contemporáneos o del pasado, nacionales o internacionales a través de videos o concurriendo a espectáculos, asistiendo a ensayos, observando fiestas y bailes populares de la región o de otras comunidades. Al enriquecer la percepción y la decodificación se incrementarán las posibilidades de la producción pero también se estará trabajando en la formación de la valoración estética y la iniciación en el juicio crítico.
Asimismo, las imágenes vinculadas al cuerpo que una cultura valora, la manera en que los medios de comunicación promocionan y establecen modelos a imitar, las dudas, temores y deseos que estas consideraciones promueven en los jóvenes deberían tener también un espacio de reflexión crítica en una disciplina artística que tiene al lenguaje corporal como instrumento para la construcción de sentidos.
El Teatro también plantea cuestiones vinculadas con el magnetismo que supone para un joven tomar un personaje y por un rato "ser otro" en una etapa de la vida en la que la personalidad está en un proceso de afianzamiento y transformación.
En la enseñanza se buscará que el alumno establezca un contacto con el lenguaje de la disciplina para explorar y profundizar de modo consciente el propio cuerpo y voz como herramientas para la producción de un discurso.
El conocimiento se desarrolla en espiral complejizando las producciones y elaborando nuevas síntesis que servirán a su vez de punto de partida para continuar. Esto se relacionará con el análisis de las propias realizaciones, de las del grupo y las de profesionales de la disciplina.

Finalmente es de gran importancia que este espacio curricular esté vinculado desde el proyecto institucional con el resto de los espacios, en principio con los de la modalidad (Imágenes y Contextos, Diseño) y con Culturas y Estéticas Contemporáneas, pero también con el resto de los espacios ya que el arte, además de sus aspectos específicos, integra dimensiones y saberes de toda la cultura.